Premio Cairo

I protagonisti delle opere di Giulia Cenci (Cortona, 1988, vive ad Amsterdam e a Cortona) sono perturbanti ibridazioni di uomo, animale e macchinario. Nel caso dell’opera realizzata per il Premio Cairo, Untitled, un lupo (il calco di una sagoma da tassidermista) è immerso in una vasca idromassaggio: la sua postura distesa può ricordare quella di un uomo che si gode il refrigerio, ma anche quella di un animale esanime oppure morto − e come sottinteso occhieggia una grottesca citazione della Morte di Marat di Jacques-Louis David.

Con Teste (Trevis Maponos), la scultura in concorso, Namsal Siedlecki raggiunge una sottile sintesi tra riti contemporanei e segreti millenari, donando una nuova dimensione espressiva e concettuale ad alcuni ex voto gallo-romani. Nella visione dell’artista, le figure votive lasciate nelle aree sacre dei templi antichi sono in qualche modo comparabili alle monetine lanciate nella Fontana di Trevi a Roma: entrambi hanno a che fare con gesti rituali ed espressioni di buon auspicio.

LUCA PIGNATELLI (Milano, 1962) con scenari pervasi da un senso di minaccia e disfacimento, e una pittura legata al tema del tempo, sia nei soggetti che nel supporto, vecchi teloni ferroviari.

BERNARDO SICILIANO (Roma, 1969) vedutista della New York contemporanea, con un insolito ritratto in interno, dove pennellate corpose e contrasti cromatici creano un’atmosfera da romanzo.

FEDERICO GUIDA con una lotta tra figure dominate da una vitalità quasi demoniaca, espressa attraverso un colore di forte richiamo, il rosso sangue dei loro corpi.

MATTEO BERGAMASCO (Milano, 1982) con una scena i vita domestica tratta dall’album di famiglia, descritta con modi realisti e con una pennellata volutamente sporca.

ANDREA CHIESI (Modena, 1966) con l’architettura di n vecchio capannone alleggerita dei segni dell’abbandono per etterne in risalto lo scheletro, in una visione neopiranesiana.

VALENTINA D’AMARO (Massa, 1966) con un paesaggio dominato dall’orizzonte piatto e silenzioso della campagna, resa con un verde uniforme. Una natura sempre uguale a se stessa.

CHRIS GILMOUR (Stockport, 1973) con la riproduzione di un Ape-risciò, una scatola di cartone piena di memorie e sentimenti, che supera l’arte povera con l’amore per il dettaglio.

Un attaccamento tenace all’immagine pur nella grande varietà dei linguaggi. Una forte adesione emotiva al soggetto. Un confronto consapevole, a tratti ironico e disincantato, con la tradizione. Uno sguardo esercitato sui maestri di ogni epoca. E un’attitudine alle ricerche sperimentali, con qualche incursione nel concettuale.

FAUSTO GILBERTI (Brescia 1970) Racconta un mondo in bianco e nero. Ironici e graffianti, i protagonisti dei suoi dipinti e dei suoi lavori d’animazione sono omini stilizzati caratterizzati da pochi tratti distintivi. Ripetuti infinite volte, tra humour e cronaca, evocano con ironia gli aspetti più devastanti del reale, la follia, gli impulsi strani, le deviazioni, senza mai ricorrere all’effetto shock.

Alice Cattaneo (Milano 1976) Tra le mostre personali, quelle del 2008 al Madre di Napoli e alla galleria Suzy Shammah di Milano e quella del 2007 alla Ikon gallery di Birmingham. Tra le collettive, la Quadriennale di Roma (2008) e Italics, Italian art between tradition and revolution, 1968-2008 a Palazzo Grassi di Venezia (2008).

Pietro Ruffo sceglie per le sue opere il tempo lungo di un’esecuzione minuziosa, paziente, che fa decantare la materia ribollente dell’attualità politica, che raffredda i temi enormi dell’ingiustizia e della guerra, permettendogli di affrontarli in una dimensione soprattutto mentale e speculativa più che ideologica. Il suo è un lavoro che nasce “da attacchi di artiglieria, da raid aerei e da negoziati diplomatici” come diceva Boetti dei suoi ricalchi dei contorni dei Paesi in guerra.

Masbedo (Nicolò Massazza - Milano, 1973 e Jacopo Bedogni - Sarzana, La Spezia,1970).
Vivono a Milano, dove nel 1999 è iniziata la loro collaborazione artistica.

Giovanni Ozzola utilizza la fotografia digitale per realizzare stampe di grandi dimensioni dove protagonista è la luce, immortalata nei diversi attimi della giornata, al mattino e al tramonto, o scorsa al di là di una saracinesca. La luce è intesa dall’artista come spazio, come luogo della percezione visiva.

Loredana Di Lillo si serve di molti linguaggi. Dalle installazioni ai lavori fotografici, le sue opere aprono profonde riflessioni sul rapporto tra l'universale e la dimensione privata.

I lavori di Laura Pugno nascono da un rapporto diretto con la realtà che accuratamente sceglie di riprodurre. Inizialmente dedita alla pittura, negli ultimi anni l’artista ha posto la sua attenzione alla fotografia, sperimentando tecniche d’esecuzione che non si limitano al solo scatto ma evolvono in interventi diretti sulla stampa con abrasioni. Soggetto prediletto è il paesaggio, colto per mezzo di un distacco percettivo dettato dalla scomposizione dell’immagine, che offre una visione non più unitaria e tradizionalmente romantica dell'immagine.

La scultura di Fabio Viale sperimenta le possibilità del materiale con fare rigoroso, si misura con la tradizione conseguendo risultati spiazzanti e sorprendenti, che dimostrano come il pensiero più estremo e improbabile possa essere formalizzato. Il marmo, medium e allo stesso tempo idea, materia pesante, severa, antica quanto preziosa, diventa leggero, dinamico, duttile, anonimo quanto un derivato industriale oppure singolare riproduzione di grandi capolavori.

Affascinato dall’idea di limite, Alessandro Piangiamore, attraverso una molteplicità di linguaggi che spaziano dalla scultura alla performance, rappresenta fenomeni naturali inafferrabili. Esemplare la serie dei venti dal titolo Tutto il vento che c’è, iniziata nel 2008 e tuttora in progress, o La gravità dell’arcobaleno (2006), un calco in gesso ribaltato di una pozzanghera d’acqua accostato alla fotografia di un’iride a sua volta rovesciata.

Le opere di Paolo Bini, realizzate con nastri di carta dipinti singolarmente e applicati su supporti come tela e tavola, sono superfici astratte modulari, monocrome o multicolori, che assumono la tradizionale forma del quadro oppure quella dell’installazione ambientale. Sin dagli esordi, Bini si muove nell’ambito dell’astrazione, ma è nel 2013 che i suoi dipinti sono scanditi da sequenze lineari orizzontali, talvolta verticali, distribuite e circoscritte all’interno di geometrie rigorose.

Uno degli aspetti fondanti dell’approccio sperimentale di Serena Vestrucci è il suo rapporto con la creazione dell’opera d’arte. Gli elementi quotidiani, da cui nascono i suoi lavori, vengono modificati attraverso pratiche manuali e concettuali sempre diverse che mutano la percezione finale del lavoro. L’opera in concorso fa parte della serie dei Trucchi, lavori in cui l’artista utilizza prodotti della cosmesi per “truccare” la tela.

Storia dell’arte, letteratura e alchimia sono solo alcune tra le fonti d’ispirazione che Fabrizio Cotognini (Macerata, 1983) usa per elaborare nuove icone partendo da quelle, celebri, di grandi maestri come Raffaello Sanzio e Guido Reni. Interviene infatti sulle antiche incisioni tratte dai loro dipinti con la matita, il pennarello, l’inchiostro, la biacca e la foglia d’oro per portare alla luce le geometrie nascoste dello spazio, inserendo nella composizione anche parole, disegni e altre immagini. Pittura